Historia del Cine(compilado y traducido por Mario Ráez Luna)
La historia del Cine ha estado dominada por el descubrimiento y prueba de paradojas inherentes al medio en si. El Cine usa máquinas para grabar imágenes de vida; combina fotografías fijas para dar la ilusión de movimiento continuo; parece presentar la vida misma, pero también ofrece realidades imposibles a las que sólo se aproximan los sueños.
Unas palabras sobre el cineEl Cine se desarrolló hacia 1890 de la unión de la fotografía, la que registra la realidad física, con el juego de persistencia retiniana. que hacía parecer que los dibujos se movían. Cuatro principales tradiciones fílmicas se han desarrollado desde entonces
La Película narrativa de ficción, que cuenta historias sobre gente con las que la platea se puede identificar porque su mundo parece familiar;
Películas documentales, no de ficción, que se enfocan en el mundo real en vez de instruir o revelar algún tipo de verdad sobre este;
Los dibujos animados, que hacen parecer que figuras dibujadas o esculpidas se mueven y hablan; y
El cine experimental, que explota la habilidad del cine de crear mundos puramente abstractos, irreales como nunca antes se vió. El Cine se considera como la más joven de las formas artísticas y ha heredado mucho de las artes más antiguas y tradicionales. Como la novela, puede contar historias; como el drama, puede reflejar conflicto entre personajes vivos; como la pintura, compone el espacio con luz, color, sombra, forma y textura; como la música, se mueve en el tiempo de acuerdo a principios de ritmo y tono; como la danza, representa el movimiento de figuras en el espacio y es frecuentmente secundado por música; y como la fotografía, presenta una versión bidimensional de lo que parece ser una realidad tridimensional, usando la perspectiva, la profundidad y la sombra.
El cine, sin embargo es una de las pocas artes que es tanto espacial como temporal, que manipula intencionalmente tanto el tiempo como el espacio. Esta síntesis ha generado dos teorías conflictivas sobre el cine y su desarrollo histórico. Algunos teóricos, como Sergei M. Eisenstein y Rudolf Arnheim, arguyen que el cine debe tomar el camino de las otras artes modernas y concentrarse no en contar historias y representar la realidad, sino en investigar el tiempo y el espacio de una manera pura y concientemente abstracta. Otros, como André Bazin y Siegfried Kracauer, sostienen que el cine debe por completo y cuidadosamente desarrollar sus conexiones con la naturaleza de modo que pueda retratar los sucesos humanos tan reveladora y excitantemente como sea posible.
PAUL NEWMAN Y ELIZABETH TAYLOR
domingo, 25 de marzo de 2007
viernes, 16 de marzo de 2007
EL COMUNISMO EN HOLLYWOOD Ver película (Caza de Brujas)
Se denominó "Caza de Brujas". En 1947 el Comité de Actividades Antiamericanas, comenzó una investigación sobre el comunismo en Hollywood. Diez hombres fueron juzgados, condenados y sentenciados a prisión poco después de que el Tribunal Supremo se negara a escuchar su caso.
A partir de haí, cualquier persona llamada a declarar bien en publico o en privado, no podia trabajar, a no ser que satisfacieran los deseos del Comité e informara sobre aquellas personas que creian ser comunistas. Lo que llevó a diferentes personalidades de reconocido prestigio dentro de la Industria del Septimo Arte a emigrar de América, refugiandose sobre todo en los países de Europa.
La llamada "lista negra de Hollywood" acabó con cientos de profesiones y miles de personal que tubieron que ocultarse o refugiarse en el exilio.
20 Años después fueron reevindicadas sus creencias.
La llamada "Caza de Brujas" del senador de Wisconsin Joseph R. McCarthy es uno de los fenómenos más oscuros de los Estados Unidos en el siglo XX. Se trata de un fenómeno típico de la Guerra Fría, de la división entre dos bloques (el capitalista, liderado por los Estados Unidos, y el comunista por la Unión Soviética), iniciada tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Malas lenguas dicen que fue para combatir el excesivo liberalismo del "New Deal" de Harry Delano Roosvelt en la década anterior pero en realidad los dardos iban dirigidos contra los comunistas de Hollywood a los que se trató de eliminar de la industria cinematográfica. Ya en octubre de 1947 fueron llamados a declarar diez cineastas, los "Diez de Hollywood", quienes al negarse a responder a las preguntas fueron condenados a un año de cárcel.
En 1951 se reavivó la investigación a resultas de la cual unas 214 personas perdieron su empleo en el mundo del cine. 106 guionistas, 36 actores y 11 directores, más otros técnicos. Muchos emigraron a otros países, entre ellos Charlie Chaplin, y otros quedaron condenados al ostracismo.
Larry Parks ("La diosa de la danza"), su mujer Betty Garrett ("Un día en Nueva York"), Zero Mostel ("Golfus de Roma"), John Robenson ("Magnolia", 1936), entre otros, desaparecieron de las pantallas durante muchos años, algunos para siempre.
Fue una tragedia que traumatizó Hollywood durante el resto del siglo XX. Sin embargo no hay que olvidar que en la Unión Soviética, durante el mandato de Stalin, veintiún millones de personas perdieron la vida por oponerse al sistema político defendido por los cineastas arriba mencionados. Estos asesinatos masivos han sido olvidados por los actuales cineastas de Hollywood, como Steve Spielberg tan sensible al Holocausto de los judíos perpetrado por Hitler en la misma época y tan insensible a esta tragedia no menos dolorosa.
Estas no han sido las únicas "Caza de Brujas" que ha padecido nuestro planeta a lo largo del siglo XX, el más violento de todos los siglos de la Historia, sino que muchas más se han producido y sin embargo se han ignorado.
"En ocasiones un dogma social o político, no solo puede separar a una Industria en dos bandos, si no que además es capaz de dividir a una Nación, un grupo de amigos e incluso una Familia".
Ángel Valcárcel
cineclasico.com
Se denominó "Caza de Brujas". En 1947 el Comité de Actividades Antiamericanas, comenzó una investigación sobre el comunismo en Hollywood. Diez hombres fueron juzgados, condenados y sentenciados a prisión poco después de que el Tribunal Supremo se negara a escuchar su caso.
A partir de haí, cualquier persona llamada a declarar bien en publico o en privado, no podia trabajar, a no ser que satisfacieran los deseos del Comité e informara sobre aquellas personas que creian ser comunistas. Lo que llevó a diferentes personalidades de reconocido prestigio dentro de la Industria del Septimo Arte a emigrar de América, refugiandose sobre todo en los países de Europa.
La llamada "lista negra de Hollywood" acabó con cientos de profesiones y miles de personal que tubieron que ocultarse o refugiarse en el exilio.
20 Años después fueron reevindicadas sus creencias.
La llamada "Caza de Brujas" del senador de Wisconsin Joseph R. McCarthy es uno de los fenómenos más oscuros de los Estados Unidos en el siglo XX. Se trata de un fenómeno típico de la Guerra Fría, de la división entre dos bloques (el capitalista, liderado por los Estados Unidos, y el comunista por la Unión Soviética), iniciada tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Malas lenguas dicen que fue para combatir el excesivo liberalismo del "New Deal" de Harry Delano Roosvelt en la década anterior pero en realidad los dardos iban dirigidos contra los comunistas de Hollywood a los que se trató de eliminar de la industria cinematográfica. Ya en octubre de 1947 fueron llamados a declarar diez cineastas, los "Diez de Hollywood", quienes al negarse a responder a las preguntas fueron condenados a un año de cárcel.
En 1951 se reavivó la investigación a resultas de la cual unas 214 personas perdieron su empleo en el mundo del cine. 106 guionistas, 36 actores y 11 directores, más otros técnicos. Muchos emigraron a otros países, entre ellos Charlie Chaplin, y otros quedaron condenados al ostracismo.
Larry Parks ("La diosa de la danza"), su mujer Betty Garrett ("Un día en Nueva York"), Zero Mostel ("Golfus de Roma"), John Robenson ("Magnolia", 1936), entre otros, desaparecieron de las pantallas durante muchos años, algunos para siempre.
Fue una tragedia que traumatizó Hollywood durante el resto del siglo XX. Sin embargo no hay que olvidar que en la Unión Soviética, durante el mandato de Stalin, veintiún millones de personas perdieron la vida por oponerse al sistema político defendido por los cineastas arriba mencionados. Estos asesinatos masivos han sido olvidados por los actuales cineastas de Hollywood, como Steve Spielberg tan sensible al Holocausto de los judíos perpetrado por Hitler en la misma época y tan insensible a esta tragedia no menos dolorosa.
Estas no han sido las únicas "Caza de Brujas" que ha padecido nuestro planeta a lo largo del siglo XX, el más violento de todos los siglos de la Historia, sino que muchas más se han producido y sin embargo se han ignorado.
"En ocasiones un dogma social o político, no solo puede separar a una Industria en dos bandos, si no que además es capaz de dividir a una Nación, un grupo de amigos e incluso una Familia".
Ángel Valcárcel
cineclasico.com
LA IMPORTANCIA DE LOS ACTORES
¿Quien es el verdadero autor de una película?", preguntaba Jean Renoir en 1974,
y a renglón seguido se respondía a si mismo: " En los tiempos heroicos del cine norteamericano, en general, era el actor quien imprimía su sello personal a la película , pero a medida que la industria se desarrollaba se convirtió en un medio para la fabricación de estrellas." Ya antes , Raoul Walsh había declarado en esa misma línea: "Los verdaderos autores son las estrellas". La teoría del autor, formulada por los franceses a fines de los años cincuenta y centrada en el director, ha sido rechazada por la mayor parte de las figuras: el propio Walsh, William Wellman y Vicente Minnelli entre otros. La creación de una película , reconocen al unísono todos los que intervienen en su realización en una labor de todo un equipo.
Podría aducirse que las películas de Walsh tienen un ritmo más rápido que las de James Cruze, y que las comedias de La Cava son más intrascendentes que las de Clarence Badger, que John Ford prefiere las películas realzadas al aire libre o que Frank Borzage se inclina por las sentimentales ; sin embargo, bajo el imperio de star system las películas norteamericanas , casi sin excepción , se adecuaban a la personalidad y a las peculiaridades de los protagonistas ( esa influencia creció aún más al llegar el cine sonoro), como puede constatarse en las distintas versiones de The Prisoner of Zenda y de Star is Born o en las pruebas de la mítica Gone with the Wind.
"Bajo la dirección y la tutela de Zukor se revelaron algunas de las más famosas estrellas de la pantalla", se vanagloriaba "The Motion Picture Almanack", y la Paramount contó por un tiempo con el actor más popular del momento: Rodolfo Valentino( 1895-1926), consagrado en The Four Horsemen of the Apocalypse. En The Sheik ya había conseguido que toda una generación de jovencitas soñaran con ser raptadas por un apuesto árabe que las llevaría a su guarida en el desierto, aunque el secreto de su atractivo murió con el. Sus ademanes eran torpes , pero en Blood and sand ( Sangre y arena, 1922) interpretaba un papel plebeyo: el de un muchacho amante de la fama y no habituado a su atuendo de dandy, que se divierte fumando cigarrillos de colores , propios de señoritas , mientras la protagonista toca el arpa. Cambia como si fuese un camaleón : de la ingenuidad más rústica pasa a la intensidad más abrasadora, enmarcado todo ello en ambientes exóticos; Blood and sand esta basada en la popular novela de Blasco Ibáñez sobre el tema del toreo, y la película se realizó bajo la dirección de Fred Niblo.
¿Quien es el verdadero autor de una película?", preguntaba Jean Renoir en 1974,
y a renglón seguido se respondía a si mismo: " En los tiempos heroicos del cine norteamericano, en general, era el actor quien imprimía su sello personal a la película , pero a medida que la industria se desarrollaba se convirtió en un medio para la fabricación de estrellas." Ya antes , Raoul Walsh había declarado en esa misma línea: "Los verdaderos autores son las estrellas". La teoría del autor, formulada por los franceses a fines de los años cincuenta y centrada en el director, ha sido rechazada por la mayor parte de las figuras: el propio Walsh, William Wellman y Vicente Minnelli entre otros. La creación de una película , reconocen al unísono todos los que intervienen en su realización en una labor de todo un equipo.
Podría aducirse que las películas de Walsh tienen un ritmo más rápido que las de James Cruze, y que las comedias de La Cava son más intrascendentes que las de Clarence Badger, que John Ford prefiere las películas realzadas al aire libre o que Frank Borzage se inclina por las sentimentales ; sin embargo, bajo el imperio de star system las películas norteamericanas , casi sin excepción , se adecuaban a la personalidad y a las peculiaridades de los protagonistas ( esa influencia creció aún más al llegar el cine sonoro), como puede constatarse en las distintas versiones de The Prisoner of Zenda y de Star is Born o en las pruebas de la mítica Gone with the Wind.
"Bajo la dirección y la tutela de Zukor se revelaron algunas de las más famosas estrellas de la pantalla", se vanagloriaba "The Motion Picture Almanack", y la Paramount contó por un tiempo con el actor más popular del momento: Rodolfo Valentino( 1895-1926), consagrado en The Four Horsemen of the Apocalypse. En The Sheik ya había conseguido que toda una generación de jovencitas soñaran con ser raptadas por un apuesto árabe que las llevaría a su guarida en el desierto, aunque el secreto de su atractivo murió con el. Sus ademanes eran torpes , pero en Blood and sand ( Sangre y arena, 1922) interpretaba un papel plebeyo: el de un muchacho amante de la fama y no habituado a su atuendo de dandy, que se divierte fumando cigarrillos de colores , propios de señoritas , mientras la protagonista toca el arpa. Cambia como si fuese un camaleón : de la ingenuidad más rústica pasa a la intensidad más abrasadora, enmarcado todo ello en ambientes exóticos; Blood and sand esta basada en la popular novela de Blasco Ibáñez sobre el tema del toreo, y la película se realizó bajo la dirección de Fred Niblo.
HOLLYWOOD EN LOS AÑOS VEINTE. LOS ESTUDIOS
Técnicamente, las últimas películas mudas norteamericanas estaban cerca de la perfección . La luminosidad de la fotografía y el imaginativo pero discreto uso de la composición se combinan en una secuencia narrativa, obra de los montadores , cuya compresión del ritmo y de la tensión dramática se considera todavía hoy extraordinaria.
Los rótulos explicativos se redujeron al mínimo y no sólo habían desaparecido las gesticulaciones histriónicas, sino que además los actores eran ya capaces de transmitir emociones de muy diversa índole mediante gestos casi imperceptibles, aunque es discutible que mereciera la pena el esfuerzo, dada la calidad de reproducción de la época. En aquel entonces se daba por supuesto que así era, ya que los críticos europeos expresaron unánimemente su admiración por el nuevo acontecimiento.
Una película norteamericana muy admirada al principio de la década fue Nanook of the North ( Nanuk, el esquimal, 1922) que, al ser el primer documental de viajes de larga duración, eclipsó a sus escasas predecesoras . Esta filmación de la vida de los esquimales es obra de Robert J. Flaherty ( 1884-1951), cineasta aficionado que se llevó consigo una cámara cinematográfica al trasladarse a la bahía de Hudson por motivos de trabajo.
Al comparar esta obra con los documentales modernos realizados para televisión, se constata su carácter primitivo: a diferencia de éstos, presenta un punto culminante más propio de una obra de ficción ( el momento en que los esquimales, que cazan lejos de su hogar, se refugian en un iglú abandonado); pero sus contemporáneos quedaron extasiados, entre ellos franceses Taylor Patterson, quien escribió en " The New Republic": " Estamos hartos de adaptaciones de otras artes (…) He aquí, por fin, nuestro lenguaje cinematográfico propio, de concepción tan original como El gabinete del Dr. Caligari y tan natural como fantástica es ella."
Nanook no era, como Caligari, un callejón sin salida, pero cuando la industria reconoció su valía, la película alemana había dejado ya una profunda huella y la mayor parte de las admiradas películas norteamericanas revelaban influencia alemana, hasta que se asimilaron las lecciones de los rusos . Ambas escuelas condujeron al cine norteamericano hacia el realismo, aunque esta tendencia fue tan efímera como deliciosa, ya que pronto la industria y el público se dejarían arrastrar por el sonoro.
Al final de la época del cine mudo, prácticamente todos los hombres, mujeres y niños de Estados Unidos acudían a las salas de proyección al menos una vez por semana . Las gentes de todos los países tuvieron un conocimiento minucioso del estilo de vida norteamericano. Las preferencias de los espectadores de todo el mundo coincidían con las de los magnates de Hollywood. Lo que resultaba muy conveniente para sus accionistas.
Mientras en Europa se consideraba que los directores eran los verdaderos autores de sus películas, la caída de Griffith y Von Stroheim convenció a los reyezuelos de Hollywood de la poca conveniencia de delegar todas las decisiones en quienes dirigían la acción en los estudios. Sus devaneos con Flaherty les resultaron igualmente costosos e inaceptables desde el punto de vista comercial; a Ince le dejaron las manos libres, ya que era capaz de supervisar varias producciones simultáneamente, pero murió joven.
Se lanzaron entonces a la búsqueda de sustitutos en Europa, a menudo movidos no tanto por el entusiasmo como por el espíritu competitivo de diez años atrás, para evitar que los rivales se beneficiaran de talentos potencialmente importantes; por su parte, los directores europeos, obnubilados por el dinero que se les ofrecía, se doblegan fácilmente a los designios de los magnates.
Se les imponían guiones, decorados y actores. Cualquier parcela de libertad era fruto de los éxitos obtenidos con el material impuesto por la productora, y esa libertad permanecía bajo el estricto control de los estudios. Pese a ello se mantuvo a flote un Lubisch, y fue posible la realización de una obra tan unida a los sentimientos de su director como The Crowd, aunque se trata de una excepción entre los directores norteamericanos de los años veinte, que en su mayor parte hubieron de atenerse al star system.
El público gustaba de las grandes estrellas: a partir de la revelación de Mary Pikford, todo el mundo reconocía que eran necesarias , desde el accionista más insignificante de una productora hasta el más egocéntrico de los directores.
Técnicamente, las últimas películas mudas norteamericanas estaban cerca de la perfección . La luminosidad de la fotografía y el imaginativo pero discreto uso de la composición se combinan en una secuencia narrativa, obra de los montadores , cuya compresión del ritmo y de la tensión dramática se considera todavía hoy extraordinaria.
Los rótulos explicativos se redujeron al mínimo y no sólo habían desaparecido las gesticulaciones histriónicas, sino que además los actores eran ya capaces de transmitir emociones de muy diversa índole mediante gestos casi imperceptibles, aunque es discutible que mereciera la pena el esfuerzo, dada la calidad de reproducción de la época. En aquel entonces se daba por supuesto que así era, ya que los críticos europeos expresaron unánimemente su admiración por el nuevo acontecimiento.
Una película norteamericana muy admirada al principio de la década fue Nanook of the North ( Nanuk, el esquimal, 1922) que, al ser el primer documental de viajes de larga duración, eclipsó a sus escasas predecesoras . Esta filmación de la vida de los esquimales es obra de Robert J. Flaherty ( 1884-1951), cineasta aficionado que se llevó consigo una cámara cinematográfica al trasladarse a la bahía de Hudson por motivos de trabajo.
Al comparar esta obra con los documentales modernos realizados para televisión, se constata su carácter primitivo: a diferencia de éstos, presenta un punto culminante más propio de una obra de ficción ( el momento en que los esquimales, que cazan lejos de su hogar, se refugian en un iglú abandonado); pero sus contemporáneos quedaron extasiados, entre ellos franceses Taylor Patterson, quien escribió en " The New Republic": " Estamos hartos de adaptaciones de otras artes (…) He aquí, por fin, nuestro lenguaje cinematográfico propio, de concepción tan original como El gabinete del Dr. Caligari y tan natural como fantástica es ella."
Nanook no era, como Caligari, un callejón sin salida, pero cuando la industria reconoció su valía, la película alemana había dejado ya una profunda huella y la mayor parte de las admiradas películas norteamericanas revelaban influencia alemana, hasta que se asimilaron las lecciones de los rusos . Ambas escuelas condujeron al cine norteamericano hacia el realismo, aunque esta tendencia fue tan efímera como deliciosa, ya que pronto la industria y el público se dejarían arrastrar por el sonoro.
Al final de la época del cine mudo, prácticamente todos los hombres, mujeres y niños de Estados Unidos acudían a las salas de proyección al menos una vez por semana . Las gentes de todos los países tuvieron un conocimiento minucioso del estilo de vida norteamericano. Las preferencias de los espectadores de todo el mundo coincidían con las de los magnates de Hollywood. Lo que resultaba muy conveniente para sus accionistas.
Mientras en Europa se consideraba que los directores eran los verdaderos autores de sus películas, la caída de Griffith y Von Stroheim convenció a los reyezuelos de Hollywood de la poca conveniencia de delegar todas las decisiones en quienes dirigían la acción en los estudios. Sus devaneos con Flaherty les resultaron igualmente costosos e inaceptables desde el punto de vista comercial; a Ince le dejaron las manos libres, ya que era capaz de supervisar varias producciones simultáneamente, pero murió joven.
Se lanzaron entonces a la búsqueda de sustitutos en Europa, a menudo movidos no tanto por el entusiasmo como por el espíritu competitivo de diez años atrás, para evitar que los rivales se beneficiaran de talentos potencialmente importantes; por su parte, los directores europeos, obnubilados por el dinero que se les ofrecía, se doblegan fácilmente a los designios de los magnates.
Se les imponían guiones, decorados y actores. Cualquier parcela de libertad era fruto de los éxitos obtenidos con el material impuesto por la productora, y esa libertad permanecía bajo el estricto control de los estudios. Pese a ello se mantuvo a flote un Lubisch, y fue posible la realización de una obra tan unida a los sentimientos de su director como The Crowd, aunque se trata de una excepción entre los directores norteamericanos de los años veinte, que en su mayor parte hubieron de atenerse al star system.
El público gustaba de las grandes estrellas: a partir de la revelación de Mary Pikford, todo el mundo reconocía que eran necesarias , desde el accionista más insignificante de una productora hasta el más egocéntrico de los directores.
HISTORIA DE HOLLYWOOD
El 27 de noviembre de 1903 una pareja de puritanos de Tejas, Horace Henderson Wilcox y su esposa, se establecieron en la periferia de los Angeles . Era un terreno de tierra negra , con bosque de acebo ( en inglés , Hollywood). Cuatro meses después . llegaron los primeros cineastas procedentes de Chicago. En 1906 ya estaban allí los grandes del cine.
Hollywood entra en la escena
Precisamente fueron la empresa I.M.P. y Laemmle quienes promovieron en el cine norteamericano dos fantasías permanentes : Hollywood y el sistema del " estrellato" norteamericano, aun cuando para ser exactos el " descubrimiento" de Hollywood fue accidental, Y la empresa I.M.P. era una entre varias compañías que se encontraron en esa parte de California durante la cumbre de la guerra entablada con el consorcio .
Ya para el año 1912 resultaba imperioso para estas empresas independientes el apartarse todo lo más posible de la Compañía de Patentes. California ofrecía un sol espléndido, diversidad de paisajes y la calurosa bienvenida tanto de los trabajadores como de los agentes de la propiedad inmobiliaria, cuyas demandas económicas eran más bajas en ambos casos que en la región oriental de la nación. La ciudad de los Angeles resultaba mejor que San Francisco, porque se encontraba más cerca de la frontera mejicana en caso de que la Compañía de Patentes enviara un auto de procesamiento o una demanda judicial. La mayoría de las compañías se establecieron en un suburbio de los Angeles conocido localmente como Hollywood , un nombre que quedó oficialmente aceptado en 1913.
La institución del estrellato también comenzó a surgir en medio de la guerra anti - monopo - lística. En Europa , los actores de teatro habían comenzado ha trabajar ante las cámaras , pero los actores norteamericanos de películas eran más bien tramoyistas, o sus esposas o parientes que iban de visita. Cuando llegaron actores de los escenarios teatrales - por regla general por que no podían encontrar trabajo ellos - , los productores les negaron publicidad porque creían que esto crearía demanda de salarios más elevados.
En realidad fueron lentos en comprender las posibilidades del culto a la personalidad en la pantalla, pero los exhibidores, en cambio, muy pronto se percataron de ello. Bastaba con tener en cuenta los murmullos de aprobación suscitados por el público por ciertos actores , que revertían aumentando el volumen del negocio. Laemmle se propuso conseguir para su empresa I.M.P. a la chica conocida como " The Biograph girl". En el año 1910 ganaba veinticinco dólares a la semana, él le ofreció mil dólares semanales y ella aceptó , cosa que no debe sorprendernos en absoluto. Su guerra personal con el consorcio monopolístico había enseñado a Laemmle a valorar la publicidad, y entonces urdió una historia que dio a conocer en la prensa de St. Louis: Florence Lawrence, la chica de Biograph, había muerto atropellada por un tranvía . Entonces la empresa I.M.P pagó un anuncio en la publicación " The Moving Picture World" diciendo que la historia había sido una invención de los enemigos de la I.M.P. - " Hemos descubierto la mentira" - , y la señorita Lawrence fue vista en la ciudad de St. Louis junto con el actor principal de la empresa I.M.P., King Baggott, lo que trajo como consecuencia un tumulto callejero.
El 27 de noviembre de 1903 una pareja de puritanos de Tejas, Horace Henderson Wilcox y su esposa, se establecieron en la periferia de los Angeles . Era un terreno de tierra negra , con bosque de acebo ( en inglés , Hollywood). Cuatro meses después . llegaron los primeros cineastas procedentes de Chicago. En 1906 ya estaban allí los grandes del cine.
Hollywood entra en la escena
Precisamente fueron la empresa I.M.P. y Laemmle quienes promovieron en el cine norteamericano dos fantasías permanentes : Hollywood y el sistema del " estrellato" norteamericano, aun cuando para ser exactos el " descubrimiento" de Hollywood fue accidental, Y la empresa I.M.P. era una entre varias compañías que se encontraron en esa parte de California durante la cumbre de la guerra entablada con el consorcio .
Ya para el año 1912 resultaba imperioso para estas empresas independientes el apartarse todo lo más posible de la Compañía de Patentes. California ofrecía un sol espléndido, diversidad de paisajes y la calurosa bienvenida tanto de los trabajadores como de los agentes de la propiedad inmobiliaria, cuyas demandas económicas eran más bajas en ambos casos que en la región oriental de la nación. La ciudad de los Angeles resultaba mejor que San Francisco, porque se encontraba más cerca de la frontera mejicana en caso de que la Compañía de Patentes enviara un auto de procesamiento o una demanda judicial. La mayoría de las compañías se establecieron en un suburbio de los Angeles conocido localmente como Hollywood , un nombre que quedó oficialmente aceptado en 1913.
La institución del estrellato también comenzó a surgir en medio de la guerra anti - monopo - lística. En Europa , los actores de teatro habían comenzado ha trabajar ante las cámaras , pero los actores norteamericanos de películas eran más bien tramoyistas, o sus esposas o parientes que iban de visita. Cuando llegaron actores de los escenarios teatrales - por regla general por que no podían encontrar trabajo ellos - , los productores les negaron publicidad porque creían que esto crearía demanda de salarios más elevados.
En realidad fueron lentos en comprender las posibilidades del culto a la personalidad en la pantalla, pero los exhibidores, en cambio, muy pronto se percataron de ello. Bastaba con tener en cuenta los murmullos de aprobación suscitados por el público por ciertos actores , que revertían aumentando el volumen del negocio. Laemmle se propuso conseguir para su empresa I.M.P. a la chica conocida como " The Biograph girl". En el año 1910 ganaba veinticinco dólares a la semana, él le ofreció mil dólares semanales y ella aceptó , cosa que no debe sorprendernos en absoluto. Su guerra personal con el consorcio monopolístico había enseñado a Laemmle a valorar la publicidad, y entonces urdió una historia que dio a conocer en la prensa de St. Louis: Florence Lawrence, la chica de Biograph, había muerto atropellada por un tranvía . Entonces la empresa I.M.P pagó un anuncio en la publicación " The Moving Picture World" diciendo que la historia había sido una invención de los enemigos de la I.M.P. - " Hemos descubierto la mentira" - , y la señorita Lawrence fue vista en la ciudad de St. Louis junto con el actor principal de la empresa I.M.P., King Baggott, lo que trajo como consecuencia un tumulto callejero.
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